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Un jeu vidéo sans musique, c'est comme une manette sans joystick : frustrant. Pour ravir notre ouïe (et raviver nos souvenirs), Nintendo a lancé sa plateforme de streaming musical sur le même modèle que Spotify. Baptisée Nintendo Music, l'application offre un accès illimité à une vaste collection de bandes sonores issues de jeux cultes. Disponible sur iOS et Android, il est possible d’en profiter à condition d’être abonné à Switch Online (comptez 20€ par mois). Vous pourrez ensuite sélectionner des titres pour une écoute sans interruption, et même étendre votre morceau préféré jusqu’à 1h ! Comme si vous étiez en pleine partie.
Pas étonnant que l’application connaisse un tel succès — plus de 1 million de téléchargements en quelques jours. Qui n’entend pas immédiatement résonner quelques notes iconiques à l’évocation de Super Mario Bros., The Legend of Zelda, Animal Crossing ou encore les Sims ? Que l’on soit nostalgique ou non, la musique nous procure des sensations, elle nous émeut. Passer à travers des remparts, sauter sur des champignons et zigouiller des zombies n’auraient certainement pas la même saveur sans son. On vous explique en quoi son rôle est essentiel.
Des ondes et des émotions
La musique définit le ton et renforce l’atmosphère d’un jeu, elle intensifie notre immersion en créant une ambiance spécifique qui correspond au thème du jeu. Dans The Witcher 3: Wild Hunt ou Resident Evil, la musique nous plonge dans des mondes médiévaux fantastiques ou des environnements horrifiques. La peur, la joie, la tristesse ou le suspense sont autant d’émotions que peut ressentir le joueur pendant une partie.
Auteur de Video Game Music. Histoire de la musique de jeu (éd. Pix'n Love), Damien Mecheri explique comment le jeu Final Fantasy VII a révélé l’importance de la musique dans les jeux vidéo. “Les personnages étaient profonds, touchants, et le jeu avait énormément de choses à raconter, notamment à travers la musique. (...) C'est avec ce jeu que les joueurs ont découvert que la musique pouvait avoir une importance considérable dans l'émotion et la nostalgie. L’idée est de coller à chaque fois à la scène, au décor ou à la situation de jeu. Il a utilisé la logique du leitmotiv, en associant un thème musical à un personnage. Et l'exemple le plus marquant pour le joueur est le thème d’Aeris, qui se fait tuer au milieu du jeu. C'est un rebondissement qui a marqué énormément de joueurs et le thème est une musique très triste, très mélancolique, qui a la particularité de continuer durant le combat qui suit le décès du personnage. On est dans la continuité émotionnelle de ce qui vient de se passer, encore sous le choc, et l’émotion se transmet dans la musique. (...) La bande originale du jeu tient sur quatre CD, pour plus de quatre heures de musique…”
Cette connexion émotionnelle entre la musique et le joueur rend l’expérience de jeu plus mémorable et enrichissante. Monument du jeu vidéo, The Legend of Zelda est également une référence. Au-delà de son thème principal épique, la saga a su perpétuellement se renouveler, comme l’explique la musicologue Fanny Rebillard dans Le Monde.
L’orchestre au service du gameplay
La musique joue un rôle essentiel dans la structuration du gameplay (l’intrigue et l’expérience vécue du joueur), elle guide le joueur avec des indications sonores. Pour signaler un danger imminent, les notes sont discordantes et le tempo s'accélère tandis que les tonalités graves préparent le joueur à une attaque ou un obstacle. Dans Metal Gear Solid, le thème d’alerte (Alert Phase) indique que l’ennemi a repéré le joueur, ce qui change sa stratégie de déplacement. La victoire est marquée par une musique triomphante à chaque fin de niveau dans Super Mario Bros. et la mélodie joyeuse récompense le joueur, renforçant son sentiment d’accomplissement. Inversement, une musique triste ou des sons désaccordés marquent l'échec à l’instar du célèbre “Game Over" qui accompagne l’écran de défaite.
Ainsi, les variations musicales aident à synchroniser le rythme du jeu avec l'expérience du joueur. Une musique plus rapide ou plus forte pendant les phases d’action intense amplifie l’urgence et pousse le joueur à agir rapidement. C’est le cas durant les combats contre les boss dans The Legend of Zelda. Heureusement, des mélodies douces calment un peu le jeu dans les moments d’exploration ou les pauses. Certains jeux adaptent la musique en fonction des actions du joueur. Une synchronisation que l’on retrouve par exemple dans DOOM (2016), où la musique devient plus rythmée et agressive lorsque le joueur entre en combat, créant une immersion totale.
Les jeux vidéo développent les capacités cognitives des jeunes
Snoop Dogg débarque sur Fortnite, c’est amusant. Mais la consécration a véritablement lieu en 2012, lorsque le compositeur Austin Wintory remporte un Grammy Award pour la musique qui accompagne Journey. Elle guide le joueur émotionnellement à travers des phases de découverte, de collaboration avec d’autres joueurs, ou d’escalade dramatique. Outil narratif et fonctionnel essentiel, la musique guide, informe et structure l’expérience du joueur, tout en amplifiant l'immersion et l'émotion. Des recherches ont par ailleurs révélé que la musique peut stimuler la libération de dopamine, améliorant ainsi la concentration et le plaisir du joueur. Enfin, la musique peut aider à réduire le stress et l’anxiété, ce qui contribue également à maintenir la concentration pendant les sessions de jeu.
Sans musique, les jeux vidéo ne seraient qu’un exercice technique. Avec elle, ils deviennent des œuvres d’art immersives et ça, ça marque… des points.
